ARTE Y MÚSICA BARROCA EN FRANCIA

EL BARROCO EN FRANCIA - STYLE GALANT

El barroco se considera como un movimiento del espíritu, comienza con el nacimiento de la ópera y acabará con la muerte de Bach, uno de los grandes compositores de esta época. Destaca en este periodo una sociedad piramidal regida por las monarquías absolutistas y será en Francia donde esta monarquía tendrá una gran influencia .

Buscaban aparentar riqueza y lujo, era una sociedad dominada por el dinero, la alta aristocracia ,el clero y por encima de todo el rey. En Francia nacerá el "style galant" que quiere decir estilo galante francés, será un nuevo modo de componer breves piezas recolectas y graciosas compuestas para ser oídas en salones privados, ya que en ese momento social en Francia todo quería ser privatizado. Las características de este nuevo estilo son:

- un uso decreciente de las texturas polifónicas
- el incremento de la importancia de la melodía
- el empleo de frases musicales de longitud regular
- un vocabulario armónico reducido que enfatiza principalmente la tónica y la dominante
- y una menor fuerza para la línea del bajo.

Fue de alguna manera una reacción contra la teatralidad del estilo Barroco. Tendrá menos ornamentación y un estilo mucho más simple.

La evolución de este movimiento fue:

Hacia el predominio de la melodía

Este movimiento hacia la preponderancia de una textura homofónica en la música había comenzado más de dos siglos antes, cuando los compositores empezaron a insertar prolongados pasajes de homofonía en sus misas y motetes con objeto de subrayar partes importantes del texto. Esto sucederá a lo largo del siglo XVI, con el desarrollo fundamentalmente de algunos géneros homofónicos vocales como la frottola y la villanela en Italia (que llevarán a la nueva monodia y a la ópera del Barroco), el air de cour, air à boire, así como otras formas de canción acompañadas de continuo en Francia, y a las canciones inglesas acompañadas de laúd. Durante estos años también crecería la popularidad de la homofonía en la música instrumental. La música instrumental hasta finales del siglo XV consistía básicamente en transcripciones de canciones y otras obras vocales, o bien en la mera interpretación de éstas a cargo de instrumentos en lugar de cantantes. No obstante, existía también la tradición de improvisar música para el acompañamiento de danzas, lo que supone la más temprana muestra de música instrumental sin función litúrgica. Efectivamente, pronto comenzaría a existir un abismo entre la música instrumental litúrgica y no litúrgica que fue similar a la que se dio entre las dos categorías vocales, y que se manifestó más en aspectos formales que con respecto a la textura.

Las escuelas locales

Durante el siglo XVII surgieron escuelas locales de teclado, instrumentos de cuerda pulsada y música de cámara en Francia, Inglaterra e Italia, mientras que los alemanes tendieron a tomar sus elementos estilísticos de varias de estas fuentes. La estratificación entre melodía y acompañamiento que se desarrolló en la música vocal también influiría de manera importante en la instrumental; la textura de las trío-sonatas corellianas de finales de siglo, con dos solistas más bajo continuo, por ejemplo, deriva claramente del anterior "concertó" monteverdiano para unas cuantas voces y continuo. Fue en estas escuelas locales en las que emergerían y cuajarían las características que podemos llamar "galantes", un estilo hecho y derecho ya en la década de 1720, y del cual cabe reseñar que fue reconocido y referido por este nombre ya en escritos de teóricos contemporáneos como Johann Mattheson (un importante teórico y compositor alemán) y Johann Joachim Quantz (compositor y pedagogo de la flauta).

Sus composoitores

Los compositores más importantes de este estilo fueron Francois Couperin y Jean Phillippe Rameau. Como se puede apreciar en algunos de estos autores, el estilo galante coexistió con otros tales como el prolongado pero progresivamente conservador estilo Barroco en todas sus formas nacionales. Del mismo modo, el estilo galante fue un importante precursor del incipiente estilo "clásico" (o "clásico vienés").

Aquí tenemos una imagen de Couperin:

Y aquí otra imagen de Rameau:

Se pueden apreciar en estas dos imágenes connotaciones del arte del barroco en el que destaca el color como forma de expresión, sobre todo con colores vivos en el retrato de Rameau, dándole además un toque de luminosidad para destacar los objetos utilizando los contrastes al igual que hace la música.

Aquí os dejó una de las composiciones más conocidas de Rameau, es su especialidad del estilo galante, llamada "Rondeau des Indes Galantes".

Se pueden ver los contrastes del color y la luz en las imágenes, a la vez que se destaca un estilo con mucho carácter de grandiosidad, con contrastes de intensidad de forte a piano y contrastes de tempo de rápido a lento, además de que cuenta con un movimiento constante con pocos silencios y se destaca el bajo continuo del barroco en el que predomina una melodía acompañada de instrumentos y de una voz femenina y voces por debajo que acompañan.

Más composiciones del estilo galante en Francia:

RAMEAU Y COUPERIN JUNTO A GEORGES DE LA TOUR

Rameau fue un compositor, clavecinista y teórico musical francés, muy influyente en la época barroca . Reemplazó a Jean-Baptiste Lully como el compositor dominante de la ópera francesa y fue duramente atacado por aquellos que preferían el estilo de su predecesor.

Couperin compositor y organista y clavecinista francés del Barroco.
Es uno de los más importantes compositores, junto con Jean-Philippe Rameau, de la música barroca francesa en general y de la música para clave en particular. Se le llama Couperin le Grand (Couperin el Grande) para distinguirlo de otros miembros de su familia, también músicos. Es el más destacado de todos ellos, por su inmenso virtuosismo al órgano y al clave.

Aquí dejo una de las obras de Couperin:

El título La Pléiade, que en francés significa Las Pléyades, es una adaptación al mundo de la música, propuesto por la ejecutante, de la metáfora con que se designa a un grupo de poetas del siglo XVI en la historia de las letras francesas. En este caso el título hace referencia a un grupo de clavecinistas/compositores franceses todavía activos durante la segunda mitad del siglo XVIII, cuando en el resto de Europa el clavecín tradicional cedía terreno al flamante pianoforte como el instrumento de tecla preferido. Se representa una especie de canto de cisne u ocaso fulgurante del elaborado estilo francés de la música para clavecín, en el momento en que la práctica de la ornamentación llegó a su punto de mayor brillo y complejidad.

EL ARTE EN FRANCIA

Cabe destacar que el Barroco es un concepto heterogéneo que no presentó una unidad estilística ni geográfica ni cronológicamente, sino que en su seno se encuentran diversas tendencias estilísticas, principalmente en el terreno de la pintura. Las principales serían: naturalismo, estilo basado en la observación de la naturaleza pero sometida a ciertas directrices establecidas por el artista, basadas en criterios morales y estéticos o, simplemente, derivados de la libre interpretación del artista a la hora de concebir su obra, este movimiento predominó sobre todo en Francia, y uno de los naturalistas más importantes fue :

Georges de la Tour 

Fue un pintor francés barroco recibió la influencia del pintor italiano Caravaggio. En los cuadros de Georges de La Tour, el origen de la luz es concreto: una vela, una bujía, una antorcha u otra forma de luz artificial, mientras que en las obras de Caravaggio, la luz provenía de un foco de origen impreciso.
Trata temas religiosos, escenas de género y de devoción, todos ellos con el mismo estilo, hasta el punto de que algunos cuadros no es fácil distinguir si se trata de uno u otro, como puede verse en El recién nacido, que no se sabe si representa en realidad La Natividad. Entre los temas religiosos, pintó con preferencia santos asociados a la peste, especialistas en prevenir el contagio, de ahí sus varias representaciones de San Sebastián que, además, era militar. No trató, sin embargo, el tema de la Pasión. No consta que hiciese retratos, sino que prefería representar a la gente humilde, sobre todo figuras femeninas serias, contenidas, piadosas: mujeres que curan heridos, jóvenes madres con niños, varias Magdalenas.
Tiene un estilo muy personal. La composición es equilibrada y rigurosa, casi geométrica.
Su obra tiene dos etapas: los cuadros «diurnos» de la primera época y los «nocturnos» de la segunda.

El primer período abarca hasta 1638, con cuadros famosos de tahúres y soldados, reflejando un poco la realidad de su Lorena natal, en la que abundaban los soldados jugando, con pícaros. Una fase intermedia viene marcada por su estancia en París (1638-1643).
Su segunda época se inicia a su regreso a Lunéville, en 1643. Pinta entonces cuadros nocturnos en los que predominan las luces nocturnas . La iluminación, que proviene generalmente de una vela, ilumina con luz blanca o rojiza las figuras. El resto del cuadro queda en la oscuridad, sin que aparezcan paisajes o arquitecturas. Utiliza una paleta prácticamente monocroma: rojo y negro en las escenas nocturnas, blanco y morado en las diurnas.

En su obra se distinguen dos fases, una centrada en la representación de tipos populares y escenas jocosas, y otra donde predomina la temática religiosa, con un radical tenebrismo donde las figuras se vislumbran con tenues luces de velas o lámparas de bujía: Magdalena penitente (1638-1643), San Sebastián cuidado por Santa Irene (1640).

Podemos ver en sus obras los contrastes del color con la oscuridad, al igual que la música del estilo francés y el barroco utiliza contrastes de intensidad y de temporal igual que los focos de luz en las zonas en las que se quiere llamar la atención, como hace la música barroca añadiendo efectos sonoros-rítmicos para llamar la atención. Al contrario que la música de los anteriores compositores que se basaban en buscar la grandiosidad y representar lujo, riqueza y poder. Georges prefiere basarse en lo tradicional y en la gente humilde, ya que utiliza un estilo muy personal. Él prefiere interioridad en los sentimientos y emociones utilizando la oscuridad a la vez que el resalte de colores como el rojo muy típico del barroco.